Alfred Hitchcock durante as filmagens de “Os Pássaros”, 1962 | Foto: Philippe Halsman
Considerado por vários cineastas de renome, estudiosos do cinema e cinéfilos como o melhor diretor de todos os tempos, o mestre do suspense Alfred Hitchcock aplicava técnicas fotográficas em suas narrativas que conduziam intensamente as emoções do espectador, do início ao fim de suas histórias. E todos saiam do cinema atordoados.
Para alcançar tamanho primor em suas obras, uma das principais características do influente diretor era a valorização do trabalho em equipe. Apesar de conduzir e definir cada detalhe do filme, Hitchcock confiava em seu time, avaliava suas criações, fossem coletivas ou individuais, e as utilizava, quando as percebia preciosas à narrativa. Foi assim, por exemplo, em algumas de suas sequencias mais famosas, como a do chuveiro, em “Psicose” (1961), que seria muda, até que o sonoplasta Bernard Herrmann mostrou a trilha para a cena e ele acatou-a; e a também célebre e precursora tomada da alusão à vertigem do protagonista, em “Vertigo, Um corpo que cai” (1958), logo no início do filme, uma iniciativa e criação do seu operador de câmera Irmin Roberts, que se tornou famosa como o “Efeito Hitchcock” ou “Efeito Vertigo” ou “Zoom Dolly”.
Cena de “Um corpo que cai” (1958)
Outra marca importante do mestre é a simplicidade. Ele defendia que as pessoas não devem se esforçar para entender sua história, mas sim, se impactar com ela. Foi assim que nasceu a famosa “Regra de Hitchcock”, que diz que “o tamanho de qualquer objeto em seu quadro deve ser proporcional à sua importância para a história no momento”.
Captando e provocando sensações
Dentro dessa regra cabem inúmeros estilos de tomadas, enquadramentos e iluminação, que contribuíram fundamentalmente para a narrativa hitchcockiana, de modo a torná-la emocionante, empírica e inesquecível e, a maioria, capaz de provocar calafrios durante a projeção e em posteriores lembranças. Em tempos em que a fotografia era ainda um recurso pouco explorado como fator narrativo, ele a trabalhou com claros objetivos de condução da história, quadro a quadro, sem desperdício de informação e com toques peculiares (como a fundamental trilha sonora, sempre impactante) que criavam e reforçavam o suspense e prendiam a atenção do espectador durante todo o filme. “O argumento pouco me importa. O que me importa é que a união das partes do filme, a fotografia, a trilha sonora e tudo o que é puramente técnico possam fazer os espectadores gritarem. O que emociona o público é o cinema puro”, declarou em entrevista concedida a François Truffaut (HITCHCOCK/TRUFFAUT: Entrevistas, 1967).
Seja por meio da captação de expressões faciais intensas, ou em tomadas de ponto de vista externo, ou que conduziam interpretações e sensações (plongèe e contra-plongèe, por exemplo); ou mesmo em travellings rápidos e subjetivos que suscitam o medo, a ansiedade e até efeitos físicos, como tonteiras e vertigens, o diretor, mais do que um mestre do suspense, era expert em captar e gerar sensações no espectador.
Conectando olhares e expectativasA diferença entre suspense e surpresa é muito simples: nós estamos conversando, talvez exista uma bomba debaixo desta mesa e nossa conversa é muito banal e de repente: bum, explosão. O público fica surpreso, mas, antes que tenha se surpreendido, mostram-lhe uma cena absolutamente banal, destituída de interesse. Agora, examinemos o suspense. A bomba está debaixo da mesa e a plateia sabe disso, provavelmente porque viu o anarquista colocá-la. A plateia sabe que a bomba explodirá à uma hora e sabe que faltam quinze para a uma – há um relógio no cenário. De súbito, a mesma conversa banal fica interessantíssima porque o público participa da cena. Tem vontade de dizer aos personagens que estão na tela: ‘Vocês não deveriam contar coisas tão banais, há uma bomba debaixo da mesa, e ela vai explodir’. No primeiro caso, oferecemos ao público quinze segundos de surpresa no momento da explosão. No segundo caso, oferecemos quinze minutos de suspense. Donde se conclui que é necessário informar ao público, sempre que possível, a não ser quando a surpresa for uma virada, ou seja, quando o inesperado da conclusão constituir o sal da anedota (HITCHCOK/TRUFFAUT: Entrevistas, 1967).
Tomando como objeto o filme “Janela Indiscreta” (1954), pode-se destacar a utilização de tomadas que conectam o olhar e as emoções do espectador às do protagonista. Sobressaem-se as tomadas point of view (ponto de vista), em que se tem a sensação de estar ao lado do personagem que está fora da cena, observando o ocorrido como ele, assim como os movimentos de câmera verticais e horizontais e interrupções bruscas de cenas, com alterações súbitas de direção, acompanhando o olhar do personagem. Na composição dos quadros percebe-se o excessivo “emolduramento” das imagens externas por janelas, em referência clara ao voyeurismo condutor da narrativa, mas que, ao mesmo tempo, limita o olhar e o mundo do protagonista e, consequentemente, do espectador, que só vê o que ele vê. Esses recursos técnicos e artísticos de condução do olhar e de expectativas, tão comuns atualmente, eram inovações na época.
Imagem de “Janela Indiscreta” (1954)
Em “Psicose”, a influência deixada na trajetória da sétima arte é indiscutível. Para o especialista em filmes que tratam do cinema, Alexandre O. Philippe, que produziu o documentário “78/52”, em que analisa em detalhes a cena do assassinato no banheiro, “(...) a sequência do chuveiro em Psicose mudou o cinema e a forma de fazê-lo. O clímax do filme estava no final do primeiro ato. De repente, abriu caminho a outras estruturas fílmicas e a formas modernas de narrar (...)” (78/52, direção de Alexandre O. Philippe, 2018).
Cena de “Psicose” (1960)
Já no thriller “Os Pássaros” (1963), em que se vê seres considerados dóceis atuando como monstros ferozes (semioticamente inovador para a época), observa-se tomadas de pontos de vistas aéreos, sugerindo a visão dos que dão nome à história, além de movimentos de câmeras subjetivos que evidenciam uma analogia do desequilíbrio emocional da protagonista com o ataque dos vilões alados.
Cena de “Os Pássaros” (1963)
Para além de “Psicose”, “Um Corpo que Cai”, “Janela Indiscreta” e “Os Pássaros”, são inúmeras as influências cinematográficas deixadas pelo mentor, em cada uma de suas 53 criações. Tão intensas que acabaram, ironicamente, por se tornarem clichês, fenômeno contra o qual ele sempre lutou. Tais influências podem ser facilmente encontradas em obras primas de vários outros inesquecíveis renomados mestres posteriores a ele, como Martin Scorcese, Francis Ford Coppola, David Lynch, Gus Van Sant, François Truffaut, Alain Resnais, Claude Chabrol, Wim Wenders, entre infindáveis outros que hoje, às vezes, até inconscientemente, se inspiram no que podemos chamar de cognição hitchcokiana, um modo de ver e interpretar imagens introjetado em todos nós pelo imortal criador de tesouros cinematográficos.
“Somos todos ladrões de Hitchcock”
Wim Wenders
