Camille Brasselet: O que nos escapa ~ Resumo Fotográfico

“Venenum”, fotografia da série “Diaphane”, de Camille Brasselet

A fotógrafa francesa Camille Brasselet constrói suas cenas como pinturas e faz de seus modelos personagens de uma história sem começo nem fim. Em suas composições com cores suaves e iluminação plana, o out-of-frame torna-se protagonista por si só. O que não é dado a ver torna-se a parte irredutível do mistério na banalidade da vida quotidiana.

As fotografias de Camille Brasselet lembram as primeiras linhas de um roteiro: uma mulher sentada na cama, nua, de costas para o espelho... Uma jovem de maiô fica imóvel à beira de uma piscina... Suas imagens têm a mesma dimensão sintética, a mesma imediatez daquelas que se formam na nossa mente ao ler estas breves descrições. O cenário é reduzido ao essencial, estabelecendo um equilíbrio entre a personagem e o seu ambiente como se, nesta fase da história, ambos tivessem a mesma importância.

Para a artista, toda a história está neste momento. Não há antes nem depois, todos são livres para imaginar o que virá animar este momento suspenso: o drama ou o acontecimento feliz, a irrupção do mundo exterior ou a simples retomada do movimento da vida.

Camille Brasselet transforma seus modelos em personagens que ocupam esse entre realidade e ficção, específico do meio fotográfico. São personagens sem história, sem abandono: pelo contrário, sentimos nestes corpos congelados uma tensão que parece anunciar a iminência de um acontecimento.

Fotografia da série “Untitled Stories”, de Camille Brasselet

A jovem fotógrafa constrói suas cenas como um pintor comporia uma cena de gênero, utilizando os mesmos recursos: composição, cores, luz... “Tudo que cabe no meu enquadramento é pensado”, diz ela, antes de acrescentar, quase da mesma forma. frase: “o que me interessa é o exterior do enquadramento”.

Este fora do enquadramento convida-se a entrar nos cenários através de janelas, espelhos ou, como na série Untitled Stories, filas de quartos e mise en abyme. O que não é mostrado fica à imaginação e corre para este desconhecido para escapar à atmosfera destes interiores de cores suaves onde a vida quotidiana parece, no entanto, perturbadoramente estranha.

Esta emergência do mistério na vida quotidiana, aliada ao próprio aspecto pictórico destas fotografias, traz à mente as pinturas de Edward Hopper. Em ambos os artistas encontramos personagens ausentes e à espera, de quem emana um profundo sentimento de solidão. Esta solidão é particularmente palpável na série “La dilution du souvenir”, produzida durante o confinamento, em que a artista optou por um enquadramento mais amplo do que na série “À Côté”, iniciada dois anos antes.

O nu aparece implicitamente em todas as séries mencionadas até agora, mas na série “Diaphane” torna-se o próprio sujeito. Para além do nu, é a pele que interessa ao fotógrafo: o seu universo colorimétrico, o seu potencial pictórico, a sua capacidade de mostrar (a pele como adorno) e também de ocultar (a pele como envelope). O nome da série parece traduzir o território que a artista explora com esta série: Diaphane, “aquela que deixa passar a luz sem ser transparente”.